Comment s’est construite cette Carte Blanche aux Invalides ?

C’est sur invitation de Christine Helfrich [N.D.L.R : Directrice de la programmation musicale du musée de l’Armée] que tout a commencé. Elle nous a proposé de faire un concert en duo avec mon frère Thomas Enhco, pianiste, et moi-même, qui suis trompettiste mais  l’idée était aussi d’y associer un orchestre d’harmonie. Ce projet nous a beaucoup plu parce qu’il n’est pas du tout habituel pour nous. Cette collaboration nous permet de travailler et de créer de nouvelles sonorités autour de la musique originale que nous écrivons. Ce partenariat nous a beaucoup enthousiasmés, notamment pour créer de la musique en grand ensemble avec des musiciens exceptionnels pour la jouer !

Vous êtes-vous déjà produits avec une formation d’harmonie ?

C’est la toute première fois et on est très impatients de cette expérience, surtout avec un orchestre de cette qualité !

Dans ce programme quelle est la part écrite et la part d’improvisation ?

La part d’improvisation est très grande car Thomas et moi-même sommes jazzman ;  l’improvisation est donc une partie essentielle de notre pratique musicale et artistique. Mais nous sommes aussi compositeurs, nous jouons principalement de la musique que nous avons écrite. L’idée au cœur de ce programme est de trouver un juste équilibre entre les morceaux écrits pour l’occasion et les morceaux déjà écrits depuis un moment, qui seront réarrangés spécialement pour ce concert. Il faut également laisser la juste place à l’harmonie pour que le son et la dimension orchestrale soient mis en avant car c’est la nouveauté de ce programme. En même temps, une part de liberté va passer par l’improvisation. A mon avis, 50% du concert sera de l’improvisation. Alors, on ne va pas faire n’importe quoi ! Nous allons improviser autour de thèmes. Un morceau donne un cadre pour l’improvisation, elle est dirigée en quelque sorte. Dans l’improvisation, plus on a de contraintes plus on est créatifs, donc à travers les contraintes de l’arrangement et l’orchestration va naître l’improvisation.

La musique originale que nous avons composée sera au cœur du programme. C’est du jazz très mélodique et avec un grand ensemble comme la Musique de l’air l’énergie sera très communicative ! La démarche que nous adoptons autour de tous nos projets musicaux, dont celui-ci, c’est de créer une musique ouverte et accessible à tous, du connaisseur et grand amateur de jazz et de musique classique aux spectateurs néophytes. C’est une musique qui se veut profonde mais à la fois ludique et joyeuse. Fédérateur est le maître mot de ce concert ! Tout le monde doit prendre du plaisir, autant les spectateurs que les musiciens qui seront sur scène.

Comment percevez-vous ce cadre inhabituel de concert dans une cathédrale et spécifiquement celle des Invalides ?

C’est un contexte historique passionnant. Le cadre est vraiment sublime pour faire de la belle musique ! Nous allons devoir aussi nous adapter à l’acoustique de la cathédrale.

Mais pour nous le plus important c’est de partager la scène avec la Musique de l’air et d’offrir aux spectateurs le travail de notre collaboration pour partager un moment joyeux !

Notre travail reflète réellement les affinités humaines et les personnes avec qui nous avons travaillé. Nous avons rencontré les musiciens et le chef à plusieurs reprises et nous nous sommes très bien entendus. C’est ce projet un peu fou de réunir l’univers du jazz et de la musique classique, de mélanger l’improvisation à la musique écrite qui a vraiment été très inspirant !

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Photo d’illustration © Maxime de Bollivier

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Quel Echo éveille en vous le thème de Guerres Secrètes, en tant qu’artiste ?

Chaque artiste se bat dans une guerre perpétuelle, invisible et secrète. Avoir un talent est à la fois une bénédiction et une malédiction. Ce talent vous pousse dans une guerre sans fin, où l’on bataille pour trouver son propre chemin, celui de la vérité, celui de l’expression, de la couleur et du timbre exacts…

Comment avez-vous sélectionné les compositeurs pour le programme de ce concert ?

J’ai choisi ces compositeurs parce que chacun d’entre eux a combattu dans sa propre guerre, parfois intérieure et secrète, parfois plus ouverte, menaçante et violente. Chostakovitch a parfois gagné, il a été parfois battu ou forcé à faire des compromis. Britten a mené une guerre plus intérieure, plus subtile. Sa musique déchire le tissu de l’ordre social établi avec élégance. Il transmet une forme presque calme de la force. Une force qui change nos êtres. Britten admirait énormément Chostakovitch, et le considérait comme « un géant parmi les compositeurs, un véritable artiste dans toute la magnificence et la beauté de son âme tourmentée ».

Pouvez-vous nous présenter ce programme musical et nous éclairer sur le contexte historique de la guerre froide ?

Les Cinq Satires de Chostakovitch (« Images du passé ») pour soprano et piano, Op. 109, ont été composées en 1960. Les textes sont des poèmes satiriques du poète russe Alexandre Mikhaïlovitch Glikberg, qui écrivait sous le pseudonyme de Sasha Chyorny. Après son huitième Quatuor sinistrement autobiographique et son adhésion forcée au Parti Communiste de Staline, Chostakovitch écrit ces Satires comme pour relâcher sous une forme humoristique la pression qu’il subit. La soprano Galina Vishnevskaya et Rostropovitch ont donné la première des Satires le 22 février 1961. Elles ont été accueillies avec un tel enthousiasme que l’ensemble du cycle a été rejoué en bis. Cependant, Vishnevskaya n’a pas été autorisée à enregistrer les chansons. La diffusion tant par la radio que par la télévision a été également interdite.

C’est Chostakovitch qui a présenté Mstislav Rostropovitch à Benjamin Britten à Londres en 1963. Ils sont très vite devenus amis. Rostropovitch ne parlait pas anglais et Benjamin Britten ne savait pas le russe. Ils avaient trouvé un autre niveau de communiquer, à travers la musique. Rostropovitch a exprimé les sentiments qu’il éprouvait envers son ami britannique dans une interview, en disant : « Benjamin Britten – une forte et claire personnalité. Il rayonnait de l’intérieur – comme un saint, comme un saint. Je crois que Britten est apparu dans ma vie juste à temps ». Britten a écrit de grandes œuvres pour Rostropovitch et Vichnevskaïa : Cello Symphony, Echo du poète et War Requiem, écrit en mémoire des victimes du fascisme, comme un appel pour la paix dans le monde et une représentation des horreurs de la guerre.

Echo du Poète est un cycle de chansons composé par Benjamin Britten (1913-1976) en août 1965 lors d’une visite en Union soviétique. Il prend pour cadre six poèmes du poète russe Alexandre Pouchkine (1799-1837), dans leur langue originale. Le cycle est dédié à ses amis russes Galina Vishnevskaya et son mari Mstislav Rostropovitch. L’Echo du poète a été donné pour la première fois en public par ces deux artistes au conservatoire de Moscou, en décembre 1965. Vishnevskaya a dit que Britten « avait réussi à pénétrer au cœur même des poèmes », en dépit du fait que le compositeur savait peu de russe et avait travaillé à partir d’une édition bilingue de la poésie de Pouchkine. Elle s’est rappelé une soirée mémorable de l’automne 1965, au cours de laquelle le ténor Peter Pears et Britten ont « essayé » ces chansons à la Maison Pouchkine : «La chambre était enveloppée d’une semi-obscurité, éclairée seulement de deux bougies. Au moment où Ben [Britten] a commencé à jouer le prélude de « Lignes écrites pendant une nuit blanche », qu’il avait écrit pour suggérer le tic-tac d’une horloge, l’horloge de la Maison Pouchkine a commencé à sonner les douze coups de minuit en synchronisation avec la musique de Ben. Nous avons tous été pétrifiés. Je me suis arrêtée de respirer et je sentais mes cheveux se hérisser. Le portrait de Pouchkine regardait droit dans les yeux de Ben. Il était secoué et pâle, mais il n’a pas arrêté de jouer.  »

Aaron Copland est né le 14 novembre 1900 à Brooklyn, New York. Il est le plus jeune des cinq enfants de Harris et Sarah Kaplan. Ses parents ont émigré de Russie en Amérique pour échapper aux persécutions antisémites. Au cours de leur voyage, ils sont passés par l’Angleterre, où un agent des services d’immigration a mal orthographié Kaplan qui est devenu Copland. Harris Kaplan a décidé d’adopter cette nouvelle orthographe pour leur nouvelle vie en Amérique.

À quinze ans, Copland prend la décision de devenir compositeur. Il vient en France pour étudier à l’École d’été de musique pour étudiants américains de Fontainebleau, sous la tutelle de Nadia Boulanger. Après trois ans en France, il retourne à New York et se met au travail pour trouver son identité musicale. Plus précisément, pour trouver  un « son américain ».

Il voulait trouver une voie qui lui soit propre, un son américain, comme Moussorgski, Elgar et Debussy avant lui respectivement en Russie, en Angleterre et en France. Afin de créer un style musical américain, il a incorporé des chansons folkloriques et des rythmes de jazz de la musique populaire de son époque, ainsi que les dissonances agressives des machines et de la vie urbaine qui l’entouraient.

En cherchant ce son, il trouve la musique d’une voix : celle de la poétesse Emily Dickinson. Dans son cycle de chansons Douze Poèmes, Aaron Copland réunit la poésie d’Emily Dickinson et sa musique dans un mariage extraordinaire de genres artistiques. Dickinson aborde des thèmes humanistes universels : la vie, la mort, la nature et Dieu. Elle est fortement influencée par Ralph Waldo Emerson, les sœurs Brontë, et Shakespeare.

Les Douze poèmes d’Emily Dickinson ont été créés à New York, le 18 mai 1950, par la soprano Alice Howland et Copland lui-même au piano. Les mélodies ont d’abord été accueillies avec un enthousiasme modéré, mais, au fil des années, les critiques et le public ont découvert la beauté de cette musique, et ce cycle est maintenant considéré non seulement comme l’une des meilleures œuvres de Copland pour voix et piano, mais également comme l’un des meilleurs cycles de chansons du XX^e siècle.

Consultez le site de la saison musicale 2016-2017

Image d’illustration © Milovan Knezevic

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Pouvez-vous vous présenter ?

Architecte du patrimoine de formation, je conçois et réalise des aménagements de musées depuis près de 30 ans. Après 20 années passées dans différents cabinets d’architecture, puis le musée du Louvre, j’ai créé MAW en 2005.

Comment avez-vous travaillé sur ce projet ?

L’opération des cabinets insolites a fait l’objet d’une consultation de scénographes en 2011. A l’issue de ce concours, un gros travail croisé entre l’équipe du musée et MAW a permis de développer le projet actuel. Dans ses contours généraux, il est très proche du concours, par contre, la technicité du projet a beaucoup augmentée.

Quelles sont les grandes lignes de votre muséographie ?

Ces salles s’inscrivent dans le musée de l’Armée. La muséographie doit donc s’intégrer dans un ensemble sans créer de rupture, d’autant que les salles des cabinets insolites sont toutes petites. Continuité est donc l’un des points de départ. Le deuxième mot de départ est effacement. Les œuvres sont très belles et les ouvrages de scénographies doivent s’effacer à leur profit, leur servir d’écrin. Pour cela, les trois espaces prennent une forme et une ambiance différentes, unies par le principe de sobriété.

Le musée de l’Armée est situé dans l’hôtel national des Invalides. Qu’en est-il des contraintes de ce lieu (construit entre 1670 et 1679) sur votre travail ?

Les salles des cabinets insolites, situées au premier étage de l’aile Orient, ont été fortement modifiées à plusieurs reprises. Il reste très peu d’éléments d’origine. Le relief situé en pied de mur dans l’espace dédié aux figurines est certainement le seul élément historique des salles. La totalité des structures intérieures ont été remplacées au cours du XX^e siècle par des structures métalliques. Toutes les parois ont été doublées, les planchers ont été repris par des ouvrages neufs au gré des opérations de réaménagement.

Ces modifications ont apporté des contraintes de tenue au feu des structures et de planéité des sols. En effet, les déformations du bâtiment au droit des reprises nous ont posé de gros problèmes pour le calage des aménagements et des vitrines. Les salles ont une faible hauteur sous plafond, ce qui limite fortement la marge de manœuvre. Les conséquences des déformations sur la pose du parquet ont été importantes.

Parmi les œuvres qui sont présentées, y en a-t-il une qui vous a plus particulièrement marquée ?

Plus qu’une œuvre, ce sont les ensembles qui sont étonnants. Chaque cabinet est un concentré d’œuvres importantes. La faible surface des salles a contraint les conservateurs à des choix restreints occasionnant une densité importante des vitrines, mais aussi une collection très forte et puissante.

Ce sont aussi les séries qui caractérisent la présentation. Cela paraît évident pour les figurines, mais les séries de canons – tels les modèles du système Gribeauval ou la série du Grand Dauphin – de la salle dédiée aux modèles d’artillerie sont des ensembles étonnants. Le cabinet musical révèle, par son organisation autour du travail d’Adolf Sax, toute la richesse de la musique militaire.

Ces trois salles sont un vrai point d’émerveillement et de surprise pour les visiteurs du musée.

Cabinets insolites – salle des modèles d’artillerie

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