Quelle relation avez-vous avec les Invalides ?

Ce n’est pas la première fois que je vais jouer aux Invalides mais la seconde. Je me souviens de la première fois, c’était il y a une dizaine d’année, Christine Helfrich [en charge de la programmation de la saison musicale des Invalides N.D.L.R.] m’avait invité. Au début j’ai eu peur de me sentir écrasé par le poids historique de ce magnifique endroit mais finalement j’ai été happé par le lieu ! On est en élévation c’est extrêmement inspirant, on se sent grandir pour donner le maximum de soi.

Parlez-nous du concert que vous donnerez le 15 octobre prochain aux côtés de la Garde républicaine.

Lors de cette soirée, je vais jouer deux concertos absolument magnifiques de Haydn et de Mozart. Le concerto de Haydn en ré majeur est en fait un chef-d’œuvre absolu ! Il y a un rondo all’ungherese extrêmement aigu mais les thèmes sont d’une telle beauté qu’on a déjà l’impression que Mozart est là ! On retrouve chez Haydn un naturel et une beauté évidente. Il y a un équilibre entre l’orchestre et le piano et c’est pour ça que j’ai voulu jouer ce concerto.

Les mêmes répartitions se retrouvent dans le concerto de Mozart, qui est lui, le 1^er grand concerto et chef-d’œuvre de Mozart. Il a écrit après un nombre incalculable de concertos qui sont de véritables opéras pour orchestre et piano mais celui-là est très spécial, l’un des plus beaux qui soit. Le mouvement central et final est un petit menuet qui est un moment de pur génie, de grâce et de tendresse.

Je suis d’autant plus content de jouer ces deux concertos aux côtés de l’orchestre de la Garde républicaine…

D’ailleurs, vous connaissez bien le chef François Boulanger !

Oui c’est important ! Nous étions ensemble au conservatoire. On s’est connu quand on avait 18 ans. On faisait nos classes d’harmonie au Conservatoire de Paris et on se retrouvait tous les mercredis matin, alors c’est assez surprenant de se voir 40 ans après !

Cette soirée sera pleine de nostalgie, de tendresse et je trouve que cette atmosphère correspond bien avec le programme qui sera très beau. Il y aura une belle complicité sur scène ! Pleine de souvenirs… c’est une peu une recherche du temps perdu si je peux dire !

Retrouvez le programme du concert

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La saison 2019-2020 vous propose plus de 40 concerts reprenant les œuvres de prodigieux compositeurs parmi lesquels Bach, Beethoven et Vivaldi. Ces représentations seront également l’occasion de découvrir le grand salon et la cathédrale Saint-Louis, des espaces prestigieux au sein des Invalides.

Découvrez l’offre d’abonnement et bénéficiez d’une réduction de 20% à partir de 3 concerts. Cette formule concerne également le tarif préférentiel de 8€ destiné aux -26 ans, handicapés et bénéficiaires d’aides sociales.

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Comment s’est construite cette Carte Blanche aux Invalides ?

C’est sur invitation de Christine Helfrich [N.D.L.R : Directrice de la programmation musicale du musée de l’Armée] que tout a commencé. Elle nous a proposé de faire un concert en duo avec mon frère Thomas Enhco, pianiste, et moi-même, qui suis trompettiste mais  l’idée était aussi d’y associer un orchestre d’harmonie. Ce projet nous a beaucoup plu parce qu’il n’est pas du tout habituel pour nous. Cette collaboration nous permet de travailler et de créer de nouvelles sonorités autour de la musique originale que nous écrivons. Ce partenariat nous a beaucoup enthousiasmés, notamment pour créer de la musique en grand ensemble avec des musiciens exceptionnels pour la jouer !

Vous êtes-vous déjà produits avec une formation d’harmonie ?

C’est la toute première fois et on est très impatients de cette expérience, surtout avec un orchestre de cette qualité !

Dans ce programme quelle est la part écrite et la part d’improvisation ?

La part d’improvisation est très grande car Thomas et moi-même sommes jazzman ;  l’improvisation est donc une partie essentielle de notre pratique musicale et artistique. Mais nous sommes aussi compositeurs, nous jouons principalement de la musique que nous avons écrite. L’idée au cœur de ce programme est de trouver un juste équilibre entre les morceaux écrits pour l’occasion et les morceaux déjà écrits depuis un moment, qui seront réarrangés spécialement pour ce concert. Il faut également laisser la juste place à l’harmonie pour que le son et la dimension orchestrale soient mis en avant car c’est la nouveauté de ce programme. En même temps, une part de liberté va passer par l’improvisation. A mon avis, 50% du concert sera de l’improvisation. Alors, on ne va pas faire n’importe quoi ! Nous allons improviser autour de thèmes. Un morceau donne un cadre pour l’improvisation, elle est dirigée en quelque sorte. Dans l’improvisation, plus on a de contraintes plus on est créatifs, donc à travers les contraintes de l’arrangement et l’orchestration va naître l’improvisation.

La musique originale que nous avons composée sera au cœur du programme. C’est du jazz très mélodique et avec un grand ensemble comme la Musique de l’air l’énergie sera très communicative ! La démarche que nous adoptons autour de tous nos projets musicaux, dont celui-ci, c’est de créer une musique ouverte et accessible à tous, du connaisseur et grand amateur de jazz et de musique classique aux spectateurs néophytes. C’est une musique qui se veut profonde mais à la fois ludique et joyeuse. Fédérateur est le maître mot de ce concert ! Tout le monde doit prendre du plaisir, autant les spectateurs que les musiciens qui seront sur scène.

Comment percevez-vous ce cadre inhabituel de concert dans une cathédrale et spécifiquement celle des Invalides ?

C’est un contexte historique passionnant. Le cadre est vraiment sublime pour faire de la belle musique ! Nous allons devoir aussi nous adapter à l’acoustique de la cathédrale.

Mais pour nous le plus important c’est de partager la scène avec la Musique de l’air et d’offrir aux spectateurs le travail de notre collaboration pour partager un moment joyeux !

Notre travail reflète réellement les affinités humaines et les personnes avec qui nous avons travaillé. Nous avons rencontré les musiciens et le chef à plusieurs reprises et nous nous sommes très bien entendus. C’est ce projet un peu fou de réunir l’univers du jazz et de la musique classique, de mélanger l’improvisation à la musique écrite qui a vraiment été très inspirant !

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Photo d’illustration © Maxime de Bollivier

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Quel est votre sentiment de jouer aux Invalides ?

C’est une grande première ! Je connais depuis longtemps la saison musicale du musée, j’ai assisté à des concerts en tant qu’auditeur mais c’est la première fois que je suis invité à y jouer. Cela va dont être une découverte pour moi ! Je vais découvrir l’adéquation entre ma façon de jouer et l’acoustique de la cathédrale que je vais devoir apprivoiser. J’y pense dès à présent et je j’y penserai encore plus quelques jours avant de jouer. Pour le récital au Grand salon avec Marcela Roggeri, c’est différent ! C’est un récital qui me tient à cœur car c’est une pianiste que j’estime beaucoup et nous allons jouer un programme qui m’enchante.

Parlez-nous des deux concertos de Ravel et notamment de votre approche pianistique et de leurs difficultés ?

Ce sont deux concertos que je connais depuis mon enfance pianistique, j’ai eu de nombreuses occasions de les jouer à travers le monde d’abord parce que ce sont des concertos reconnus comme appartenant au grand répertoire pour piano mais aussi parce qu’en tant que français on me demande régulièrement de les jouer lorsque que je suis invité à me produire à l’étranger.

Ce sont deux œuvres courtes ; on peut donc les jouer à la suite, bien que ce soit assez inhabituel.  Toutefois, j’observe que le concerto pour la main gauche a été orchestré par Ravel d’une manière extrêmement riche et il exige un orchestre fourni, ce qui n’est pas sans engendrer des coûts de production élevés … vous allez me dire qu’on est très loin de la musique ! Mais ce détail fait que  j’ai plus souvent joué le concerto en sol majeur pour deux mains que celui pour la main gauche seule.

Ce dernier est une œuvre absolument monumentale bien que très courte. Elle est inspirée par l’atmosphère de la guerre. On y sent une couleur sombre mais on voit la lumière apparaître par l’entremise du jazz dont Ravel commence à intégrer les influences et qu’il introduit avec quelques rythmes particuliers à l’intérieur de ce concerto. Cette œuvre à multiples facettes passe vraiment de l’ombre à la lumière. Elle est, en plus, extrêmement spectaculaire d’un point de vue technique et pianistique.

Parlez-nous de votre collaboration avec Marcela Roggeri ?

Dans le monde du piano, on se croise, on se connait, on s’estime et puis certains projets arrivent à leur terme ! J’ai été séduit par le jeu de cette pianiste très reconnue et surtout par ses origines argentines. On retrouve l’influence de son pays natal dans la sonorité de son jeu ; ce qui lui donne une couleur et un rythme particuliers que j’affectionne beaucoup. C’est une pianiste pleine d’énergie et d’idées musicales et je suis attentif aux personnalités qui sont capables d’inventer des projets et de construire des programmes comme celui que l’on va  jouer aux Invalides ! Nous avons travaillé sur un programme original, dont nous avons longuement discuté, avec en première partie des compositeurs russes puis, dans la seconde, des compositeurs français.

Avez-vous déjà joué avec un orchestre militaire ?

Oui, je me suis déjà produit avec cet orchestre mais ils sont avant tout pour moi des musiciens comme les autres, le titre important peu, et  je suis ravi de partager la scène avec eux. On va passer des bons moments de musique ensemble ! Militaire ou pas, c’est finalement la musique qui l’emporte toujours !

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Présentez nous le programme que vous donnerez le 23 mars prochain.

Les histoires d’amour tragiques ont de tout temps inspiré les plus grands compositeurs. Nous vous présentons le 23 mars un panorama de ces œuvres, de la cantate française jusqu’à Purcell, en passant par des airs d’opéras de Haendel et Vivaldi. En guise d’introduction, le Consort jouera une sonate en trio de Jean-François Dandrieu. De ce compositeur, la postérité a retenu son traité d’harmonie et ses pièces pour clavier. Ses sonates en trio, beaucoup moins connues, sont pourtant magnifiques et nous adorons les défendre ! Nous interpréterons ensuite La Bergère de Montéclair, l’un des grands maîtres de la cantate française. Malgré son titre pastoral, cette cantate met en musique une histoire dramatique : celle d’une héroïne trahie, qui se retire progressivement du monde, tout d’abord auprès de la nature, puis dans le sommeil… éternel ? Nous terminerons ce chapitre par le très célèbre Dido’s Lament, extrait de l’unique opéra de Purcell. Reine abandonnée par le héros Æneas, expire ses derniers mots dans cet air avant de mourir de chagrin. Nous restons en Angleterre, en compagnie de Haendel, dans des pages instrumentales puis dans  Scenes of Horror, extrait de Jephta, air empreint du désespoir extrême d’une mère ayant la vision du sacrifice dont sa fille va faire l’objet.  Nous reviendrons ensuite à la cantate française pour interpréter Léandre et Héro de Clérambault. Les deux amants partagent un même amour mais sont séparés par un bras de mer. Malgré le temps menaçant, Léandre s’élance pour rejoindre sa belle mais meurt dans la tempête. Désespérée, Hero se jette dans les mêmes flots que son amant défunt. Nous reviendrons à Haendel, avec l’air de Juno, femme trahie et furieuse par les incessantes infidélités de son Dieu de mari. Junon jure de se venger de sa rivale Sémélé et maudit toute sa descendance. Elle résout d’invoquer les pouvoirs de Somnus, dieu du Sommeil, pour faire tomber de lassitude les paupières du dragon vigilant qui garde l’entrée de la demeure de Sémélé. Nous conclurons ce concert avec un air de furie, extrait de l’Argippo de Vivaldi, dans lequel la princesse Zanaïda, se pensant trompée, invoque les Dieux et les furies pour obtenir réparation.

Comment abordez-vous les personnages des grandes héroïnes tragiques à travers votre voix ? Quelle est votre sensibilité par rapport à ce répertoire ?

Je ne saurais expliquer pourquoi j’ai toujours eu un goût plus développé pour la musique dramatique et les rôles de tragédienne. Il se trouve que mon instrument me permet d’aborder ces personnages dont l’ambitus est assez large et dont les accents dramatiques permettent de s’exprimer puissamment. Mon premier coup de foudre musical fut l’écoute de la Passion selon St Matthieu de Bach. C’est sans doute cette musique spirituelle, intense et empreinte d’une profonde tristesse qui m’a donné le goût pour la musique dramatique.

J’ai un vif intérêt à jouer ces femmes outragées, furieuses, meurtries et désespérées. Il y a dans ces rôles une vérité et une force cathartique qui me touchent profondément et me permet d’aller chercher en moi des émotions et des couleurs fortes. Mes rôles favoris dans l’opéra baroque sont Dido (Purcell), Messaggiera (Monteverdi), Médée (Charpentier)… Dans le répertoire plus tardif, j’espère chanter un jour la Lucretia (Britten), Judith (Bartok), Carmen… des femmes fortes au destin tragique.  Dans le répertoire du lied, je viens d’enregistrer avec mon pianiste les Kindertotenlieder de Mahler et les Chants et Danses de la Mort de Moussorgsky. Des propos profondément dramatiques donc. Mais je prends aussi beaucoup de plaisir à jouer des rôles comiques et à faire rire.

J’ai une sensibilité toute particulière pour le répertoire baroque car c’est le premier que j’ai abordé lors de mes études, ce qui est aussi plus prudent pour une jeune voix. Venant de la musique actuelle, j’ai perçu dans la musique baroque quelque chose de plus évident, d’immédiat et de facile à comprendre et à ressentir. Notamment dans le rapport à la vocalité : il y a une simplicité et une place donnée au texte qui est plus évidente que dans le bel canto ou la part belle est donnée à la voix et donc au « beau chant ». C’est cette voix lyrique et « pas naturelle » que nous développons pour nous faire entendre sans micro dans des grandes salles, qui peut effrayer les non connaisseurs du genre. Cela fut mon cas au début de mes études. Je n’appréciais pas vraiment ces voix desquelles je ne comprenais pas le texte. J’ai donc mis du temps à venir au répertoire lyrique de l’opéra classique et romantique, que j’aime désormais passionnément.

C’est peut-être pour cela que j’attache une importance particulière à toujours garder ce naturel tout en travaillant à développer ma voix et à être dans le style nécessaire à chaque période musical. Le beau chant pour moi ce n’est pas seulement faire du beau son, mais c’est savoir conter un texte musical et littéraire de manière intelligible. J’aspire à être au plus proche de la volonté du compositeur et de mes émotions, à chanter pour tout le monde, et toucher les gens sans qu’ils aient besoin de connaître les codes.

Quels sont vos prochains projets artistiques ?

Je suis actuellement en production pour encore quelques semaines à l’Opéra de Perm (Russie) pour la création du dernier opéra de Lully, Phaëton avec Vincent Dumestre et le Poème Harmonique, mis en scène par Benjamin Lazar. Nous le reprendrons à l’Opéra Royal de Versailles début juin. Dès mon retour en France nous donnerons ce concert au musée de l’Armée le 23 mars.

Le 24 mars je retrouverai le Poème Harmonique à La Chapelle Royale de Versailles pour les Leçons de Ténèbres de Couperin. Le 6 avril, je serai Maddalena dans l’opéra sacré de Draghi : Il Terremoto à le Chapelle Corneille de Rouen. Je consacrerai ensuite quelques semaines à la préparation des nombreux projets qui suivent. A savoir : un enregistrement avec le Consort d’extraits de Cantates Françaises va paraître l’an prochain chez Alpha, ainsi qu’un enregistrement de musique italienne avec le Poème Harmonique. Un trimestre 100% baroque donc en compagnie de mes deux familles musicales : Le Consort et le Poème Harmonique. La saison prochaine sera moins baroque.

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Quel est votre parcours ? Expliquez-nous votre choix pour le clavecin ? Faites-nous part des différences entre le clavecin et le piano et de vos préférences, en terme de répertoire ?

Mes parents m’ont inscrite au conservatoire de Cachan, à 8 ans. A l’entrée, nous avons la possibilité d’essayer 5 instruments avant de choisir celui que l’on veut étudier. L’avant-dernier étant la trompette, j’ai tellement adoré cet instrument que je ne voulais même plus essayer le dernier de la liste. Néanmoins, mes parents ont insisté pour que je les essaye tous… et je me souviens encore du premier contact avec le clavecin. Cet instrument m’a tout de suite fasciné. Je pense qu’il intrigue beaucoup les enfants car il ne fait pas forcément parti de leur quotidien comme le piano ou le violon mais il touche à leur imaginaire, peut-être un peu comme la harpe…

Plus tard, à la fin du collège, j’ai essayé le violon. Cet instrument me trottait dans la tête depuis longtemps et je ne voulais pas regretter de ne pas avoir essayé. Après deux ans de pratique, il n’y a avait plus de doute, j’ai souhaité me concentrer uniquement sur le clavecin. La palette de travail était plus large à mes yeux. C’est certainement aussi une question de répertoire, car je suis très attachée au répertoire baroque. Il m’inspire et me touche énormément. Il est aussi extrêmement vaste et très varié, contrairement à ce que l’on pourrait entendre parfois ! Il n’est pas évident de comparer le piano et le clavecin car les répertoires sont justement très différents. Si nous devons parler de nuances, le clavecin en créé peut-être de manière moins efficace et « automatique », mais c’est cela que je trouve magnifique. Il faut imaginer parfois et souvent même « faire comme si »… Le clavecin à l’époque était l’instrument de travail des compositeurs, donc ces derniers n’entendaient pas que la ligne de clavecin mais également celles de la flûte, de la viole ou du violon. En tant qu’interprète nous devons entendre toutes ces lignes quand nous jouons. Le travail est tout à fait différent de celui du piano !

Que représente pour vous le Prix Safran pour la musique ? Quel est votre sentiment concernant le concert du 9 février prochain aux côtés de Justin Taylor, parrain du Prix Safran ?

Je suis tout d’abord très heureuse d’avoir gagné ce prix pour l’opportunité qu’il m’offre de pouvoir revenir jouer en février 2018 ! J’ai aussi été très émue d’avoir pu partager ce moment avec mes parents qui ne sont pas du tout musiciens, et toujours ravis de venir écouter les concerts ! Jouer avec Justin le 9 février prochain me réjouit énormément. Je suis très heureuse à l’idée de travailler et partager la scène avec lui, c’est un excellent musicien et extrêmement bienveillant ! En plus, le programme est magnifique ! Cela va assurément être une très belle expérience et en prime, dans un lieu magique ! C’est d’ailleurs ce cadre du Grand Salon qui m’a permis de me détendre le jour du concours, je me suis laissée emporter par l’endroit !

Quels sont vos projets pour l’avenir ?

Je suis actuellement en M1 au CNSMDP, il me reste encore deux ans d’études dans la classe d’Olivier Baumont. Je compte profiter pleinement de ces deux dernières années car je réalise à quel point je suis privilégiée d’étudier au Conservatoire de Paris. Nous sommes entourés de professeurs incroyables avec lesquels nous travaillons sur des projets passionnants et toujours très variés! En décembre, nous jouerons à Herbault avec la classe les concertos à 2, 3 et 4 clavecins de Bach. Nous travaillons également avec la classe d’accompagnement vocal et les chanteurs sur l’opéra Jules César de Haendel que nous jouerons à la Philharmonie de Paris en mars ! Je souhaite profiter de ce cadre car l’après dépend de beaucoup de choses. Je veux jouer le plus possible, c’est certain !

Nora Dargazanli sera en concert au musée de l’Armée le 9 février aux côtés de Justin Taylor.
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Quel sens a pour vous le fait de jouer aux Invalides ?

Jouer aux Invalides est pour moi un évènement artistique. J’ai joué plusieurs fois dans ce haut lieu de l’histoire et de l’identité française. C’est un honneur mais c’est aussi la source d’une inspiration et d’une sensation d’élévation dans mon coeur d’artiste.

Quel écho personnel suscite en vous la thématique du cycle Guerres secrètes ?

Ce thème est très important et douloureux pour moi. Les atrocités de la Seconde Guerre mondiale sont bien connues de l’opinion publique ; en revanche, nous ne connaissons pas assez l’oppression et les génocides de peuples entiers, générés par le régime soviétique. Bien que nous ne soyons plus de cette époque, pas si lointaine d’ailleurs, où l’on avait le choix entre Hitler et Staline, il y a curieusement un certain manque d’intérêt pour ces années-là et très souvent une véritable ignorance résultant de la propagande soviétique et véhiculée par les communistes d’occident. On ne trouve que très peu de livres et de films sur ce sujet, or mon peuple, parmi tant d’autres, a subi une occupation et un génocide. C’est pourquoi je vous remercie de l’évoquer à travers ce programme musical.

L’Intelligentsia lituanienne a été déportée ou a fui dans les pays étrangers et toutes les familles lituaniennes ont été touchées directement ou indirectement. La mienne n’a pas échappé aux répressions. Une grande partie de ma famille a été déportée et nous avons tout perdu. Sur le passeport de mon grand-père figurait un cachet « ennemi du peuple »… Ma mère fut la fille d’un ennemi du peuple ! Même moi, née en Lituanie soviétique, j’ai été touchée. Engagée dans le mouvement d’indépendance de mon pays, j’ai été dénoncée au KGB, mon passeport m’a été retiré et pour des raisons politiques, j’ai perdu sept ans de ma carrière, ce qui est très long dans la vie d’un artiste. Je suis arrivée en France en 1989 afin de pouvoir accomplir ma mission d’artiste car, isolée en Union Soviétique, je ne pouvais avoir de contrat en dehors de ce territoire et j’ai dû tout reconstruire depuis le début. Pendant 50 ans, mon pays a été rayé de la carte du monde. L’histoire de mon pays, soit 1000 ans d’existence, a été effacée et déformée également jusque dans les manuels scolaires. L’interdiction de connaître le passé de notre nation faisait partie du plan diabolique visant à la construction de « l’homme nouveau ».

Aujourd’hui, je suis fière de mon pays et de mon peuple qui à eu le courage d’être le premier à montrer aux autres pays occupés la voie vers la liberté. Notre « révolution chantante » a été entendue et reprise par les autres peuples et a même ébranlé le mur de Berlin.

Comment avez-vous composé le programme musical que vous allez présenter au public le 8 décembre prochain ?

Le programme s’ouvre sur un chant lituanien intitulé Chère Lituanie de J. Naujalis. On l’appelle le 2e hymne national, hymne du cœur. Il concentre toutes les valeurs de notre identité nationale pour lesquelles nous nous sommes battus. Ce chant hommage était celui de la Révolution chantante.

Il y a également l’oeuvre de M.K. Ciurlionis. Il est la figure de la pensée libre, tant par sa musique que par sa peinture. Nous avons été tous marqués par le professeur V. Landsbergis, une grande personnalité de notre indépendance, qui nous a menés à travers la conscience nationale vers la liberté. Il est un spécialiste de M.K. Ciurlionis et ainsi cette musique incarne donc aussi un symbole de l’indépendance pour tous les lituaniens.

Chostakovitch est également une figure centrale de notre thème. En écrivant, à la demande du Parti, des cantates sur Staline, il a, à la fois été encouragé par le régime mais également rejeté car sa musique était souvent qualifiée de formaliste. Plusieurs de ses compagnons de route, comme son amie dramaturge V. Meyerhold furent torturés et fusillés… lui devint officiellement « ennemi du peuple », accusation qui, dans l’URSS des années 1930, précédait souvent une déportation. Lui ne l’a pas été, mais il a dû ajuster sa musique au goût des dirigeants pour survivre. Pourtant, pour nous professionnels de la musique ainsi que pour certains connaisseurs, la musique de Chostakovitch est très codifiée, de sorte qu’à travers celle-ci sont communiqués des messages de résistance à la tyrannie et d’espoir. Le cœur de ce programme musical est donc fondamentalement empreint de spiritualité et de désir de liberté.

Retrouvez Mūza Rubackyté en concert le 8 décembre à 20h, dans la cathédrale Saint-Louis des Invalides.

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Consultez le site de la saison musicale du musée de l’Armée 

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Quel Echo éveille en vous le thème de Guerres Secrètes, en tant qu’artiste ?

Chaque artiste se bat dans une guerre perpétuelle, invisible et secrète. Avoir un talent est à la fois une bénédiction et une malédiction. Ce talent vous pousse dans une guerre sans fin, où l’on bataille pour trouver son propre chemin, celui de la vérité, celui de l’expression, de la couleur et du timbre exacts…

Comment avez-vous sélectionné les compositeurs pour le programme de ce concert ?

J’ai choisi ces compositeurs parce que chacun d’entre eux a combattu dans sa propre guerre, parfois intérieure et secrète, parfois plus ouverte, menaçante et violente. Chostakovitch a parfois gagné, il a été parfois battu ou forcé à faire des compromis. Britten a mené une guerre plus intérieure, plus subtile. Sa musique déchire le tissu de l’ordre social établi avec élégance. Il transmet une forme presque calme de la force. Une force qui change nos êtres. Britten admirait énormément Chostakovitch, et le considérait comme « un géant parmi les compositeurs, un véritable artiste dans toute la magnificence et la beauté de son âme tourmentée ».

Pouvez-vous nous présenter ce programme musical et nous éclairer sur le contexte historique de la guerre froide ?

Les Cinq Satires de Chostakovitch (« Images du passé ») pour soprano et piano, Op. 109, ont été composées en 1960. Les textes sont des poèmes satiriques du poète russe Alexandre Mikhaïlovitch Glikberg, qui écrivait sous le pseudonyme de Sasha Chyorny. Après son huitième Quatuor sinistrement autobiographique et son adhésion forcée au Parti Communiste de Staline, Chostakovitch écrit ces Satires comme pour relâcher sous une forme humoristique la pression qu’il subit. La soprano Galina Vishnevskaya et Rostropovitch ont donné la première des Satires le 22 février 1961. Elles ont été accueillies avec un tel enthousiasme que l’ensemble du cycle a été rejoué en bis. Cependant, Vishnevskaya n’a pas été autorisée à enregistrer les chansons. La diffusion tant par la radio que par la télévision a été également interdite.

C’est Chostakovitch qui a présenté Mstislav Rostropovitch à Benjamin Britten à Londres en 1963. Ils sont très vite devenus amis. Rostropovitch ne parlait pas anglais et Benjamin Britten ne savait pas le russe. Ils avaient trouvé un autre niveau de communiquer, à travers la musique. Rostropovitch a exprimé les sentiments qu’il éprouvait envers son ami britannique dans une interview, en disant : « Benjamin Britten – une forte et claire personnalité. Il rayonnait de l’intérieur – comme un saint, comme un saint. Je crois que Britten est apparu dans ma vie juste à temps ». Britten a écrit de grandes œuvres pour Rostropovitch et Vichnevskaïa : Cello Symphony, Echo du poète et War Requiem, écrit en mémoire des victimes du fascisme, comme un appel pour la paix dans le monde et une représentation des horreurs de la guerre.

Echo du Poète est un cycle de chansons composé par Benjamin Britten (1913-1976) en août 1965 lors d’une visite en Union soviétique. Il prend pour cadre six poèmes du poète russe Alexandre Pouchkine (1799-1837), dans leur langue originale. Le cycle est dédié à ses amis russes Galina Vishnevskaya et son mari Mstislav Rostropovitch. L’Echo du poète a été donné pour la première fois en public par ces deux artistes au conservatoire de Moscou, en décembre 1965. Vishnevskaya a dit que Britten « avait réussi à pénétrer au cœur même des poèmes », en dépit du fait que le compositeur savait peu de russe et avait travaillé à partir d’une édition bilingue de la poésie de Pouchkine. Elle s’est rappelé une soirée mémorable de l’automne 1965, au cours de laquelle le ténor Peter Pears et Britten ont « essayé » ces chansons à la Maison Pouchkine : «La chambre était enveloppée d’une semi-obscurité, éclairée seulement de deux bougies. Au moment où Ben [Britten] a commencé à jouer le prélude de « Lignes écrites pendant une nuit blanche », qu’il avait écrit pour suggérer le tic-tac d’une horloge, l’horloge de la Maison Pouchkine a commencé à sonner les douze coups de minuit en synchronisation avec la musique de Ben. Nous avons tous été pétrifiés. Je me suis arrêtée de respirer et je sentais mes cheveux se hérisser. Le portrait de Pouchkine regardait droit dans les yeux de Ben. Il était secoué et pâle, mais il n’a pas arrêté de jouer.  »

Aaron Copland est né le 14 novembre 1900 à Brooklyn, New York. Il est le plus jeune des cinq enfants de Harris et Sarah Kaplan. Ses parents ont émigré de Russie en Amérique pour échapper aux persécutions antisémites. Au cours de leur voyage, ils sont passés par l’Angleterre, où un agent des services d’immigration a mal orthographié Kaplan qui est devenu Copland. Harris Kaplan a décidé d’adopter cette nouvelle orthographe pour leur nouvelle vie en Amérique.

À quinze ans, Copland prend la décision de devenir compositeur. Il vient en France pour étudier à l’École d’été de musique pour étudiants américains de Fontainebleau, sous la tutelle de Nadia Boulanger. Après trois ans en France, il retourne à New York et se met au travail pour trouver son identité musicale. Plus précisément, pour trouver  un « son américain ».

Il voulait trouver une voie qui lui soit propre, un son américain, comme Moussorgski, Elgar et Debussy avant lui respectivement en Russie, en Angleterre et en France. Afin de créer un style musical américain, il a incorporé des chansons folkloriques et des rythmes de jazz de la musique populaire de son époque, ainsi que les dissonances agressives des machines et de la vie urbaine qui l’entouraient.

En cherchant ce son, il trouve la musique d’une voix : celle de la poétesse Emily Dickinson. Dans son cycle de chansons Douze Poèmes, Aaron Copland réunit la poésie d’Emily Dickinson et sa musique dans un mariage extraordinaire de genres artistiques. Dickinson aborde des thèmes humanistes universels : la vie, la mort, la nature et Dieu. Elle est fortement influencée par Ralph Waldo Emerson, les sœurs Brontë, et Shakespeare.

Les Douze poèmes d’Emily Dickinson ont été créés à New York, le 18 mai 1950, par la soprano Alice Howland et Copland lui-même au piano. Les mélodies ont d’abord été accueillies avec un enthousiasme modéré, mais, au fil des années, les critiques et le public ont découvert la beauté de cette musique, et ce cycle est maintenant considéré non seulement comme l’une des meilleures œuvres de Copland pour voix et piano, mais également comme l’un des meilleurs cycles de chansons du XX^e siècle.

Consultez le site de la saison musicale 2016-2017

Image d’illustration © Milovan Knezevic

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De septembre 2015 à juin 2016, plus de 50 concerts avec de grands solistes, des orchestres et des chœurs d’exceptions vous attendent !

Consultez en ligne la version interactive du programme de la saison musicale du musée de l’Armée

Et rendez-vous le vendredi 25 septembre pour le concert inaugural de la saison, à 20h en la cathédrale Saint-Louis des Invalides, où l’Orchestre et chœur Lamoureux vous interpréteront la célèbre et bouleversante Messe en ut mineur de Mozart.

Réservez vos places !

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